《我們在此相遇》
移動,改變觀看的角度;對話,則產生理解的尺度。嘉義市立美術館今年以「在變動時代中的創造」為題,回看大疫後的歷史意義,也遙想過去的藝術家如何在動盪的時局中持續開創、以藝術回應時代。
本展與 #天美藝術基金會 共同主辦,過去十年基金會支持逾54位臺灣青生代藝術家參與「#台灣當代藝術家海外參訪計畫」,參訪國際當代藝術場域,與各地藝術家工作室進行交流。這段生命旅程對於創作產生了何種意義?或許這些相遇都有必然發生的原因。本展以英國藝術評論與文學家約翰.伯格(John Berger)的作品「我們在此相遇 Here is where we meet」為題,借喻生命中不同階段的相遇,沒有物理時空指涉,只有精神的交錯對話,營造一個與過去、現在相遇和對話的空間。
本展邀請20位藝術家回顧移動經驗,在創作中與何人相遇?是過去,明天,或未來的自己?移動的際遇中,彼此有些交集,也有錯身而過,但移動經驗使創作增加了厚度,或和過去互相觀照。生命中的「移」,創作中的「轉」,而終在展覽中呈現的「遇」。創作當下生命樣態的再現,除了與過往的自己相遇,也創造了觀眾與作品共時的對話。
策展人|黃又文 Erica Yu-Wen Huang
展 期|06/29(四)-10/15(日)
展 場|嘉義市立美術館 本館1-3樓、古蹟棟3樓視聽室及圖書室
照片提供|天美藝術基金會
攝影|王世邦
移動,改變觀看的角度;對話,則產生理解的尺度。嘉義市立美術館今年以「在變動時代中的創造」為題,回看大疫後的歷史意義,也遙想過去的藝術家如何在動盪的時局中持續開創、以藝術回應時代。
本展與 #天美藝術基金會 共同主辦,過去十年基金會支持逾54位臺灣青生代藝術家參與「#台灣當代藝術家海外參訪計畫」,參訪國際當代藝術場域,與各地藝術家工作室進行交流。這段生命旅程對於創作產生了何種意義?或許這些相遇都有必然發生的原因。本展以英國藝術評論與文學家約翰.伯格(John Berger)的作品「我們在此相遇 Here is where we meet」為題,借喻生命中不同階段的相遇,沒有物理時空指涉,只有精神的交錯對話,營造一個與過去、現在相遇和對話的空間。
本展邀請20位藝術家回顧移動經驗,在創作中與何人相遇?是過去,明天,或未來的自己?移動的際遇中,彼此有些交集,也有錯身而過,但移動經驗使創作增加了厚度,或和過去互相觀照。生命中的「移」,創作中的「轉」,而終在展覽中呈現的「遇」。創作當下生命樣態的再現,除了與過往的自己相遇,也創造了觀眾與作品共時的對話。
策展人|黃又文 Erica Yu-Wen Huang
展 期|06/29(四)-10/15(日)
展 場|嘉義市立美術館 本館1-3樓、古蹟棟3樓視聽室及圖書室
照片提供|天美藝術基金會
攝影|王世邦
2023 黃至正個展-有影
双方藝廊將於2023年7月1日至8月12日推出黃至正展覧-「有影」,本展覽為藝術家於2021年「世代切片」聯展後再度與双方藝廊合作,將帶來二十餘件全新系列創作。黃至正近年持續取樣AI演算圖像生成創作基底,再融合過往所擅長技法,以水墨、金屬箔等複合媒材結合負片影像的表現形式,更進一步利用色彩在不同人體姿態上描繪出豐富且細緻的情感變化。在幽微曖昧氛圍中,光線、色彩與箔材紋理之間隱隱流動的美學實踐,不只探問虛擬演算與現實的對應關係,也藉由對AI模型的反覆訓練,拓展對性別及身體自由形象的想像與定義。
Double Square Gallery is delighted to present Ū-iánn—Huang Chih-Cheng Solo Exhibition, which will run from July 1 to August 12, 2023, and will be the artist’s latest collaboration with the gallery since the group exhibition of 2021 – Younger Than Buddha. This exhibition will feature more than twenty artworks newly created by the artist. In recent years, Huang has continued an artistic approach: he first forms a creative basis with AI-generated images, and utilizes his signature techniques to combine mixed media, such as ink and metal leaf, with the form of negative films to delineate rich and nuanced emotional changes on human bodies in different postures with colors. Enshrouded in a shadowy, ambiguous ambiance, the manifestation of his aesthetic practice, which reveals a subtle fluidness created by the light, colors, and texture of metal leaf, not only looks into the interrelations between virtual algorithm and reality, but also expands the imagination and definition of gender and free body image through training the AI model repeatedly.
展覽日期:2023.07.01 – 2023.08.12
展覽地點:双方藝廊D1
展覽開幕:2023.07.01 (六) 15:00
Ū-iánn-Huang Chih-Cheng
Exhibition dates:2023.07.01 – 2023.08.12
Exhibition venue:Double Square Gallery D1
Opening reception:2023.07.01 (Sat.) 15:00
双方藝廊將於2023年7月1日至8月12日推出黃至正展覧-「有影」,本展覽為藝術家於2021年「世代切片」聯展後再度與双方藝廊合作,將帶來二十餘件全新系列創作。黃至正近年持續取樣AI演算圖像生成創作基底,再融合過往所擅長技法,以水墨、金屬箔等複合媒材結合負片影像的表現形式,更進一步利用色彩在不同人體姿態上描繪出豐富且細緻的情感變化。在幽微曖昧氛圍中,光線、色彩與箔材紋理之間隱隱流動的美學實踐,不只探問虛擬演算與現實的對應關係,也藉由對AI模型的反覆訓練,拓展對性別及身體自由形象的想像與定義。
Double Square Gallery is delighted to present Ū-iánn—Huang Chih-Cheng Solo Exhibition, which will run from July 1 to August 12, 2023, and will be the artist’s latest collaboration with the gallery since the group exhibition of 2021 – Younger Than Buddha. This exhibition will feature more than twenty artworks newly created by the artist. In recent years, Huang has continued an artistic approach: he first forms a creative basis with AI-generated images, and utilizes his signature techniques to combine mixed media, such as ink and metal leaf, with the form of negative films to delineate rich and nuanced emotional changes on human bodies in different postures with colors. Enshrouded in a shadowy, ambiguous ambiance, the manifestation of his aesthetic practice, which reveals a subtle fluidness created by the light, colors, and texture of metal leaf, not only looks into the interrelations between virtual algorithm and reality, but also expands the imagination and definition of gender and free body image through training the AI model repeatedly.
展覽日期:2023.07.01 – 2023.08.12
展覽地點:双方藝廊D1
展覽開幕:2023.07.01 (六) 15:00
Ū-iánn-Huang Chih-Cheng
Exhibition dates:2023.07.01 – 2023.08.12
Exhibition venue:Double Square Gallery D1
Opening reception:2023.07.01 (Sat.) 15:00
2023「知墨者」
自唐代張彥遠於《歷代名畫記》一書中提出「運墨而五色具」的說法後,便為此後千年以降的無數書畫家奉為圭臬;唯針對「五色」為何則說法不一,有以墨色濃淡不一來對應青、赤、黃、白、黑,亦有指焦、濃、重、淡、清,然無論意指何者,可以確定的是歷代能卓然成家的無一不是得其三昧者。
故此次「知墨者」的展覽規劃初衷,既是對於前述書畫美學關鍵核心的歷史辯證及當代新銓,亦可視為本人於2016年假受双方藝廊邀請而策劃的「近墨者」一展之延伸,旨在探討自上個世紀90年代解嚴後迄今,來自不同背景的台灣藝術創作者面對中國傳統美學於材質、題材,乃至於思想上的回應、挑戰與變革。整體在規模上擴大不少,共邀集黃志超、林銓居、潘信華、姚瑞中、彭弘智、陳浚豪、樊炯烈、王鼎曄、曾雍甯、黃至正、胡在晴、黃昱昊、黃立穎等共13位藝術家,半數以上均係前次展覽所未見,且世代跨度巨大,希冀觀者遊走在他們採取新舊媒材來展現個人精神質地的作品間,也能察覺其中或顯或隱的對話可能。
展期|2023.05.06(六) — 06.24(六)
開幕茶會|2023.05.06 15:00
策展人|張禮豪
展出藝術家|黃志超、林銓居、潘信華、姚瑞中、彭弘智、陳浚豪、樊炯烈、王鼎曄、曾雍甯、黃至正、胡在晴、黃昱昊、黃立穎
地點|月臨畫廊一、二館(台中市西區英才路589巷6號1F、台中市西區英才路589巷12號1F)
自唐代張彥遠於《歷代名畫記》一書中提出「運墨而五色具」的說法後,便為此後千年以降的無數書畫家奉為圭臬;唯針對「五色」為何則說法不一,有以墨色濃淡不一來對應青、赤、黃、白、黑,亦有指焦、濃、重、淡、清,然無論意指何者,可以確定的是歷代能卓然成家的無一不是得其三昧者。
故此次「知墨者」的展覽規劃初衷,既是對於前述書畫美學關鍵核心的歷史辯證及當代新銓,亦可視為本人於2016年假受双方藝廊邀請而策劃的「近墨者」一展之延伸,旨在探討自上個世紀90年代解嚴後迄今,來自不同背景的台灣藝術創作者面對中國傳統美學於材質、題材,乃至於思想上的回應、挑戰與變革。整體在規模上擴大不少,共邀集黃志超、林銓居、潘信華、姚瑞中、彭弘智、陳浚豪、樊炯烈、王鼎曄、曾雍甯、黃至正、胡在晴、黃昱昊、黃立穎等共13位藝術家,半數以上均係前次展覽所未見,且世代跨度巨大,希冀觀者遊走在他們採取新舊媒材來展現個人精神質地的作品間,也能察覺其中或顯或隱的對話可能。
展期|2023.05.06(六) — 06.24(六)
開幕茶會|2023.05.06 15:00
策展人|張禮豪
展出藝術家|黃志超、林銓居、潘信華、姚瑞中、彭弘智、陳浚豪、樊炯烈、王鼎曄、曾雍甯、黃至正、胡在晴、黃昱昊、黃立穎
地點|月臨畫廊一、二館(台中市西區英才路589巷6號1F、台中市西區英才路589巷12號1F)
2022 黃至正個展 返景 - The Depths
木木藝術榮幸呈現台灣藝術家黃至正(b.1988-)個展《返景》,此次展覽匯聚藝術家系列發展中少見的中大型作品。黃至正作品以墨色與箔為主要表現力,其作品多以圖像作為對社會、環境、議題互相提問溝通之媒介,個展《返景》為黃至正自2021年開啟之創作計畫,關注人和自然之間共生與剝削的相互關係,進而延伸至個人情慾的展演、弱勢群體的權益如何受到不同形式的壓迫。
《返景》將展出藝術家兩大主要系列作品:「聖傷」與「暗湧」系列。
「聖傷」系列運用AI圖像生成程式,以 布幔下的女神 為共同連結,演算產出系列相關圖像,成為繪畫的一部分,黃至正將繪畫的自發性與數位媒介的控制力、繪畫痕跡與圖像隱喻共存融合於作品中,在紙本、墨與箔的運用上開創出新的自我實現。「暗湧」系列作品中,將圖像以負片般氣氛展開,聚焦於光線與箔所帶出的幽暗及閃動,著重其同時具備脆弱性與能動性的兩種特質。
返景 - The Depths
展覽開幕:2022.09.17 (六) 15:00-17:00
展覽日期:2022.09.17 - 10.29
開放時間: 周三至周六,13:00 - 18:00
展覽地點:木木藝術(台南市北區民德路90巷50號)
木木藝術榮幸呈現台灣藝術家黃至正(b.1988-)個展《返景》,此次展覽匯聚藝術家系列發展中少見的中大型作品。黃至正作品以墨色與箔為主要表現力,其作品多以圖像作為對社會、環境、議題互相提問溝通之媒介,個展《返景》為黃至正自2021年開啟之創作計畫,關注人和自然之間共生與剝削的相互關係,進而延伸至個人情慾的展演、弱勢群體的權益如何受到不同形式的壓迫。
《返景》將展出藝術家兩大主要系列作品:「聖傷」與「暗湧」系列。
「聖傷」系列運用AI圖像生成程式,以 布幔下的女神 為共同連結,演算產出系列相關圖像,成為繪畫的一部分,黃至正將繪畫的自發性與數位媒介的控制力、繪畫痕跡與圖像隱喻共存融合於作品中,在紙本、墨與箔的運用上開創出新的自我實現。「暗湧」系列作品中,將圖像以負片般氣氛展開,聚焦於光線與箔所帶出的幽暗及閃動,著重其同時具備脆弱性與能動性的兩種特質。
返景 - The Depths
展覽開幕:2022.09.17 (六) 15:00-17:00
展覽日期:2022.09.17 - 10.29
開放時間: 周三至周六,13:00 - 18:00
展覽地點:木木藝術(台南市北區民德路90巷50號)
2021 黃至正個展 水銀落地 - Mercury Falls
這次個展《水銀落地》是我一直期待能夠實踐的項目,我經常在作品中反覆表現出對過往事件的關注,我總認為記憶並不客觀,且透過回望,還能創造出有別於當下的時間線。這一次我透過墨水、銀箔、縫線等複合媒材與技法,一層層地揭開又縫合過去的視覺與情感經驗,以重探自身的能動性。經常只會注意到個性鮮亮的那一面,有能毫無保留流露的情緒,不論是喜悅抑或哀傷。心理的另一面則完全在背光處,細微、頑固,知道它在,但不可碰觸。它是一種低頻音波、最細瑣的呢喃,我往往以為是我召喚了什麼到作品當中,但或許不是,我才是被召喚的那個。心理的另一面被緩緩揭開的時候,偶爾會想著原來如此,絕大多數時候則是在混沌中迷惑不解,也可能它的召喚並不需要被我諒解,我只需要知道它在,然後共存。
我縫了舊相片中的人物、物件,僅它們的輪廓。翻家族的相簿時很有趣,經常需要透過想像去填補模糊的記憶、臆測家人間的關係。關係是持續變動的,從緊密到不相往來、從生到死,關係是錯綜複雜的地圖,需要不停確認各自所在的位置。在這次的個展「水銀落地」中,我並不打算讓過去再現,我試著透過解放記憶的個體性,去往一種集體的共感,而得以從容撿拾生命中斷裂的經驗,補足自己。
水銀落地 - Mercury Falls
展覽開幕:2021.05.14 (五) 16:00-19:00
展覽日期:2021.05.14 - 06.26
(周一-周五, 10:00-18:00 週六, 13:00-18:00)
展覽地點:當代一畫廊 (台北市信義路三段147巷36弄22號)
這次個展《水銀落地》是我一直期待能夠實踐的項目,我經常在作品中反覆表現出對過往事件的關注,我總認為記憶並不客觀,且透過回望,還能創造出有別於當下的時間線。這一次我透過墨水、銀箔、縫線等複合媒材與技法,一層層地揭開又縫合過去的視覺與情感經驗,以重探自身的能動性。經常只會注意到個性鮮亮的那一面,有能毫無保留流露的情緒,不論是喜悅抑或哀傷。心理的另一面則完全在背光處,細微、頑固,知道它在,但不可碰觸。它是一種低頻音波、最細瑣的呢喃,我往往以為是我召喚了什麼到作品當中,但或許不是,我才是被召喚的那個。心理的另一面被緩緩揭開的時候,偶爾會想著原來如此,絕大多數時候則是在混沌中迷惑不解,也可能它的召喚並不需要被我諒解,我只需要知道它在,然後共存。
我縫了舊相片中的人物、物件,僅它們的輪廓。翻家族的相簿時很有趣,經常需要透過想像去填補模糊的記憶、臆測家人間的關係。關係是持續變動的,從緊密到不相往來、從生到死,關係是錯綜複雜的地圖,需要不停確認各自所在的位置。在這次的個展「水銀落地」中,我並不打算讓過去再現,我試著透過解放記憶的個體性,去往一種集體的共感,而得以從容撿拾生命中斷裂的經驗,補足自己。
水銀落地 - Mercury Falls
展覽開幕:2021.05.14 (五) 16:00-19:00
展覽日期:2021.05.14 - 06.26
(周一-周五, 10:00-18:00 週六, 13:00-18:00)
展覽地點:當代一畫廊 (台北市信義路三段147巷36弄22號)
2021 世代切片
2021 Younger Than Buddha
双方藝廊將於2021年3月6日至4月17日推出聯展「Younger Than Buddha——世代切片」。本展集結8位1980年後出生的新銳藝術家,包含張欣、張辰申、黃至正、李亦凡、歐靜雲、林芷安、黃立穎及龔寶稜,透過不同媒材表述當代藝術多重樣貌,橫跨平面繪畫、影像裝置、動力裝置、觀念與行為及計畫型創作等,多元的創作語彙相互激盪,展現新時代的藝術視野。
展名「Younger Than Buddha——世代切片」,啟發自佛陀釋迦牟尼在35歲於菩提樹下證道之經歷,以「世代切片」為題,提出對新世代藝術的觀察,希冀以佛陀證道做為標竿,映射出藝術家們對於自我生命、智慧和志業的探索。本展以新世代的藝術實踐作為策展主軸,邀請8位千禧世代(b.1981-1996)的台灣藝術家,透過一系列的作品呈現年輕藝術家的創作脈絡,回應當今台灣當代藝術的最新樣貌及時代氛圍。
「Younger Than Buddha —世代切片」
展覽開幕|2021.03.06 (六) 15.00
展覽日期|2021.03.06-2021.04.17 (周二-周六, 10.30-18.30)
展覽地點|双方藝廊 (台北市中山區北安路770巷28號)
線上藝廊|https://rb.gy/s9ommw
藝術家|張欣、張辰申、黃至正、李亦凡、歐靜雲、林芷安、黃立穎、龔寶稜
“Younger Than Buddha”
Opening reception|2021.03.06 (Sat.) 15.00
Exhibition dates|2021.03.06-2021.04.17 (Tue.-Sat. 10.30-18.30)
Exhibition venue|Double Square Gallery
Artists|Sheryl Cheung, Chang Chen-Shen, Huang Chih-Cheng, Li Yi-Fan, Ou Jing-Yun, Lin Chih-An, Huang Li Ying, Kung Pao-Leng
2021 Younger Than Buddha
双方藝廊將於2021年3月6日至4月17日推出聯展「Younger Than Buddha——世代切片」。本展集結8位1980年後出生的新銳藝術家,包含張欣、張辰申、黃至正、李亦凡、歐靜雲、林芷安、黃立穎及龔寶稜,透過不同媒材表述當代藝術多重樣貌,橫跨平面繪畫、影像裝置、動力裝置、觀念與行為及計畫型創作等,多元的創作語彙相互激盪,展現新時代的藝術視野。
展名「Younger Than Buddha——世代切片」,啟發自佛陀釋迦牟尼在35歲於菩提樹下證道之經歷,以「世代切片」為題,提出對新世代藝術的觀察,希冀以佛陀證道做為標竿,映射出藝術家們對於自我生命、智慧和志業的探索。本展以新世代的藝術實踐作為策展主軸,邀請8位千禧世代(b.1981-1996)的台灣藝術家,透過一系列的作品呈現年輕藝術家的創作脈絡,回應當今台灣當代藝術的最新樣貌及時代氛圍。
「Younger Than Buddha —世代切片」
展覽開幕|2021.03.06 (六) 15.00
展覽日期|2021.03.06-2021.04.17 (周二-周六, 10.30-18.30)
展覽地點|双方藝廊 (台北市中山區北安路770巷28號)
線上藝廊|https://rb.gy/s9ommw
藝術家|張欣、張辰申、黃至正、李亦凡、歐靜雲、林芷安、黃立穎、龔寶稜
“Younger Than Buddha”
Opening reception|2021.03.06 (Sat.) 15.00
Exhibition dates|2021.03.06-2021.04.17 (Tue.-Sat. 10.30-18.30)
Exhibition venue|Double Square Gallery
Artists|Sheryl Cheung, Chang Chen-Shen, Huang Chih-Cheng, Li Yi-Fan, Ou Jing-Yun, Lin Chih-An, Huang Li Ying, Kung Pao-Leng
2021 微迹,或異獸藏身處的地靈
2021 Microscript, or the genius loci of animal's hiding place.
林義隆●黃至正作品展
Exhibition of Works by LIN Yi-Lung and HUANG Chih-Cheng
木木藝術很榮幸在2021年首檔帶來林義隆˙黃至正作品展 —「微迹,或異獸藏身處的地靈」。動物形體的描繪與異化貫穿兩位藝術家的創作主軸,繪畫圖像的使用相較於中古世紀具象輪廓的描繪,兩位創作者精神投射與反思賦予作品圖像上更多隱喻,接銜著各自不同的創作方式,「微迹,或異獸藏身處的地靈」一展替2021年的木木藝術拉開序幕。
林義隆,畢業於國立台北藝術大學美術系碩士班創作組,主修版畫。2018 年榮獲文化部遴選為 Art Taipei「Made In Taiwan-新人推薦特區」藝術家,作品曾獲《2020桃源美展》版畫類第一名、《新北市美展》 版畫類-第一名、《105年全國美術展》與《高雄美術獎》 版畫類入選……等獎項,亦獲國立臺灣美術館、文化部藝術銀行、宜蘭美術館……等機構公眾典藏。陶與銅版畫為藝術家林義隆此次展出作品,兩者媒材相較下皆較費精力,長期以來,藝術家緩慢且專注發展系列作品,將環境中所見景物帶進手上創作,抽離時間與空間,演繹出僅屬於創作者的語彙及宇宙。
黃至正,畢業於東海大學美術系碩士班創作組,2016 年榮獲文化部遴選為 Art Taipei「Made In Taiwan-新人推薦特區」藝術家,亦為 2015 臺南新藝獎首獎得主,曾獲得高雄獎(2014)、第十屆桃源創作獎(2012)、新北市創作新人獎(2012、2011)等當代藝壇指標性獎項入圍肯定,作品榮獲臺南市立美術館、國立臺灣美術館典藏。黃至正深受箔材同時具有脆弱與剛硬的二元性吸引,作品關注現象的形成,並透過個人經驗的演繹,反問當代建構的現實是否堅固。在創作者的眼中,萬物的界線總是曖昧的,永不復見的人能隨時在記憶中重逢、無關的事物能透過奇想賦予連結,因而創作該是在人們習以為常的生活中,製造些微的騷動,在人們以為一成不變的尋常日子裡,暗示另一個知覺性世界存在的可能。
「微迹,或異獸藏身處的地靈」一展將自2021年1月16日展至2月27日,展覽開幕茶會設於1月16日週六下午3點至5點,木木藝術誠摯邀請各位的蒞臨,一同欣賞在古典媒材基礎下的當代語彙作品。
林義隆●黃至正作品展
Exhibition of Works by LIN Yi-Lung and HUANG Chih-Cheng
展覽日期 ∣ 2021/1/16-2/27
展覽地點 ∣ 台南市北區民德路90巷50號
開放時間 ∣ 周一至周六,10:00 - 18:00
2021 Microscript, or the genius loci of animal's hiding place.
林義隆●黃至正作品展
Exhibition of Works by LIN Yi-Lung and HUANG Chih-Cheng
木木藝術很榮幸在2021年首檔帶來林義隆˙黃至正作品展 —「微迹,或異獸藏身處的地靈」。動物形體的描繪與異化貫穿兩位藝術家的創作主軸,繪畫圖像的使用相較於中古世紀具象輪廓的描繪,兩位創作者精神投射與反思賦予作品圖像上更多隱喻,接銜著各自不同的創作方式,「微迹,或異獸藏身處的地靈」一展替2021年的木木藝術拉開序幕。
林義隆,畢業於國立台北藝術大學美術系碩士班創作組,主修版畫。2018 年榮獲文化部遴選為 Art Taipei「Made In Taiwan-新人推薦特區」藝術家,作品曾獲《2020桃源美展》版畫類第一名、《新北市美展》 版畫類-第一名、《105年全國美術展》與《高雄美術獎》 版畫類入選……等獎項,亦獲國立臺灣美術館、文化部藝術銀行、宜蘭美術館……等機構公眾典藏。陶與銅版畫為藝術家林義隆此次展出作品,兩者媒材相較下皆較費精力,長期以來,藝術家緩慢且專注發展系列作品,將環境中所見景物帶進手上創作,抽離時間與空間,演繹出僅屬於創作者的語彙及宇宙。
黃至正,畢業於東海大學美術系碩士班創作組,2016 年榮獲文化部遴選為 Art Taipei「Made In Taiwan-新人推薦特區」藝術家,亦為 2015 臺南新藝獎首獎得主,曾獲得高雄獎(2014)、第十屆桃源創作獎(2012)、新北市創作新人獎(2012、2011)等當代藝壇指標性獎項入圍肯定,作品榮獲臺南市立美術館、國立臺灣美術館典藏。黃至正深受箔材同時具有脆弱與剛硬的二元性吸引,作品關注現象的形成,並透過個人經驗的演繹,反問當代建構的現實是否堅固。在創作者的眼中,萬物的界線總是曖昧的,永不復見的人能隨時在記憶中重逢、無關的事物能透過奇想賦予連結,因而創作該是在人們習以為常的生活中,製造些微的騷動,在人們以為一成不變的尋常日子裡,暗示另一個知覺性世界存在的可能。
「微迹,或異獸藏身處的地靈」一展將自2021年1月16日展至2月27日,展覽開幕茶會設於1月16日週六下午3點至5點,木木藝術誠摯邀請各位的蒞臨,一同欣賞在古典媒材基礎下的當代語彙作品。
林義隆●黃至正作品展
Exhibition of Works by LIN Yi-Lung and HUANG Chih-Cheng
展覽日期 ∣ 2021/1/16-2/27
展覽地點 ∣ 台南市北區民德路90巷50號
開放時間 ∣ 周一至周六,10:00 - 18:00
2020「臺北客家巢藝術展」Hakka art exhibition takes place in Taipei
行李 - Baggage
還小的時候因為父母需要出外工作,我幾乎是在苗栗和屏東的祖父母家成長,直到就學期間才搬到高雄,也經常回去探望在屏東新埤打鐵村的家人,幫忙農務、採收檳榔。只是,每次回去,伙房似乎都越來越安靜、越來越空曠,直到祖父母都離世了,一起長大的家人只會在清明節時見面,在宗祠前面、小小的院子中央, 交換近況、講講以前的事。農村的離散似乎難以避免,老宅中的 家具、器物都還在,我們各自把成長的經驗裝進行李帶走,重要的不是相聚,而是不忘記。
媒材:紙本、墨水、壓克力、銀箔、鋁箔、複合媒材 paper、ink、acrylic、silver leaf、Aluminum leaf、mixed media
作品規格:388x130公分
參展者:陳育霖、黃至正、楊芳宜
展期:109.10.17~10.31
每日:11~17點(16:30最後入場)
地點:松山文創園區藝異空間(南向製菸工廠)
行李 - Baggage
還小的時候因為父母需要出外工作,我幾乎是在苗栗和屏東的祖父母家成長,直到就學期間才搬到高雄,也經常回去探望在屏東新埤打鐵村的家人,幫忙農務、採收檳榔。只是,每次回去,伙房似乎都越來越安靜、越來越空曠,直到祖父母都離世了,一起長大的家人只會在清明節時見面,在宗祠前面、小小的院子中央, 交換近況、講講以前的事。農村的離散似乎難以避免,老宅中的 家具、器物都還在,我們各自把成長的經驗裝進行李帶走,重要的不是相聚,而是不忘記。
媒材:紙本、墨水、壓克力、銀箔、鋁箔、複合媒材 paper、ink、acrylic、silver leaf、Aluminum leaf、mixed media
作品規格:388x130公分
參展者:陳育霖、黃至正、楊芳宜
展期:109.10.17~10.31
每日:11~17點(16:30最後入場)
地點:松山文創園區藝異空間(南向製菸工廠)
2019 奶油正好融化 l 黃至正個展 The Butter Just Melted
木木藝術很榮幸宣布在2019年11月帶來藝術家 黃至正 Huang Chih Cheng的個展,藝術家將以一系列2019年新作為木木藝術空間重整後開啟第二篇章。「奶油正好融化」黃至正個展將於2019年11月16日展出至12月28日,此次展出藝術家最新創作《備忘錄》與《容器─隧道》兩大系列。
藝術家黃至正擅長運用影像拼貼與複合媒材方式創作,身為新一個世代的創作者,黃至正從生活與生命觀察並且汲取養分與靈感,直率的反應在其創作上,完成一件又一件真誠的作品。在《備忘錄》系列作品中,藝術家運用蒐集而來的二手衣,視之為龐大的加密資料庫,藉由創作的過程進而破譯、揣測他人抽象的生命史。進而藉此反思在意義過剩的時代,回憶會是個人的建構過程或是累贅?
有別於以往藝術家中小型尺幅的作品,《容器─隧道》系列將展出藝術家大型繪畫作品,藝術家運用極為緩慢的運筆方式,每一筆觸所帶有的肌理、靜止與運動將顏料的流動與堆疊構成一幅一幅引人駐足細細觀察的作品;以容器為名,將名稱與圖形的定義回歸於觀者自身,「容器」可以是物體上的器皿,也可成為形而上乘載文化之容器,可裝載實質物體,亦可負載歷史、記憶與時間,對創作者而言,「藝術」是一種邀請,需要觀者的投入,一同進入專注且平靜的狀態。
「奶油正好融化」藝術家黃至正展覽自述:
奶油融化的速度很快,幾乎在撕開包裝紙的同時就開始了,試著用抹刀切開,像破冰的船,奶油被切開的同時變成乳狀,包裹住抹刀,那是一件相當曖昧的事情,抵擋與引力都正在發生。我對「記憶」這件事情相當著迷,「記憶」是人格的基礎嗎?它有原始碼嗎?所有的記憶都是真實的嗎?在這次的個展中,我把「記憶」當作一大塊奶油,捕捉切開奶油的瞬間,「記憶」在抵擋真實的過去,也被人為的干涉所吸引,奶油正在融化的同時也正在凝固。
奶油正好融化 l 黃至正 Huang Chih Cheng 個展
展覽日期:11月16日至12月28日
開放時間:周一至周六,10:00-18:00
展覽地點:台南市北區民德路90巷50號
木木藝術很榮幸宣布在2019年11月帶來藝術家 黃至正 Huang Chih Cheng的個展,藝術家將以一系列2019年新作為木木藝術空間重整後開啟第二篇章。「奶油正好融化」黃至正個展將於2019年11月16日展出至12月28日,此次展出藝術家最新創作《備忘錄》與《容器─隧道》兩大系列。
藝術家黃至正擅長運用影像拼貼與複合媒材方式創作,身為新一個世代的創作者,黃至正從生活與生命觀察並且汲取養分與靈感,直率的反應在其創作上,完成一件又一件真誠的作品。在《備忘錄》系列作品中,藝術家運用蒐集而來的二手衣,視之為龐大的加密資料庫,藉由創作的過程進而破譯、揣測他人抽象的生命史。進而藉此反思在意義過剩的時代,回憶會是個人的建構過程或是累贅?
有別於以往藝術家中小型尺幅的作品,《容器─隧道》系列將展出藝術家大型繪畫作品,藝術家運用極為緩慢的運筆方式,每一筆觸所帶有的肌理、靜止與運動將顏料的流動與堆疊構成一幅一幅引人駐足細細觀察的作品;以容器為名,將名稱與圖形的定義回歸於觀者自身,「容器」可以是物體上的器皿,也可成為形而上乘載文化之容器,可裝載實質物體,亦可負載歷史、記憶與時間,對創作者而言,「藝術」是一種邀請,需要觀者的投入,一同進入專注且平靜的狀態。
「奶油正好融化」藝術家黃至正展覽自述:
奶油融化的速度很快,幾乎在撕開包裝紙的同時就開始了,試著用抹刀切開,像破冰的船,奶油被切開的同時變成乳狀,包裹住抹刀,那是一件相當曖昧的事情,抵擋與引力都正在發生。我對「記憶」這件事情相當著迷,「記憶」是人格的基礎嗎?它有原始碼嗎?所有的記憶都是真實的嗎?在這次的個展中,我把「記憶」當作一大塊奶油,捕捉切開奶油的瞬間,「記憶」在抵擋真實的過去,也被人為的干涉所吸引,奶油正在融化的同時也正在凝固。
奶油正好融化 l 黃至正 Huang Chih Cheng 個展
展覽日期:11月16日至12月28日
開放時間:周一至周六,10:00-18:00
展覽地點:台南市北區民德路90巷50號
2019 言論自由日特展 │被折斷的筆桿 Unjust Deadline-Postwar Journalist
「我們一直深信,爭取百分之百言論自由,是一個民主社會充分且必要條件,我們更深信所有的自由裡,第一個應該爭取的是言論自由,有了言論自由以後,才有可能保住其它的自由。」--鄭南榕《自由時代》週刊2/5期
「言論自由」何等珍貴,今天是4月7日言論自由日,也是鄭南榕自1989年4月7日自焚殉道的三十週年。國家人權博物館今年特別以「新聞自由」為主題,推出「被折斷的筆桿─政治受難的新聞人」2019年言論自由日特展,對於在白色恐怖期間受難的新聞工作者致上敬意。
很高興這次能與五餅二魚團隊的合作機會,一起完成了言論自由日特展「被折斷的筆桿─政治受難的新聞人」。這是一個重新檢視威權時期,新聞人在追求新聞自由與正義時受到壓迫的再敘事,並從中淬煉出言論自由的可貴,歡迎大家能夠前往參觀。這次的創作概念經由和團隊討論後,決定以衣物裝置暗示前人的抱負與歷史的沉重,當你走進我的作品中時,勢必會和那些衣物擦撞,正如我們與歷史從來都是息息相關,前人的作為,過往的事件都成為當下現實的一部分。所以請不要害怕、也不要逃避正視歷史。
暗室-警總牢籠裡的編輯臺
所謂的現實存在於一間巨大的、漆黑的房間裡,我們所能看見的都是一架放映機所投放出來的光景。而當我們閉上眼睛,讓視野成為記憶、化為內在的現實時,我們能不能夠藉由情緒經驗與意識轉譯成外在現實,亦或只是純粹的複製?
歷史像是隨著時間氧化變色的銀箔,漸漸浮現瘀青的傷痛,已然淡忘的記憶不經意地閃滅,像是刺進肌膚深處的小木屑,暗示過往的人事全非,這些封存的信息隱隱流動於集體潛意識中,等待著洗刷與消解……
Darkroom
Editor’s Desk Behind Bars
History is like a piece of aluminum foil oxidized and discolored by the passage of time: bruises gradually come out, forgotten memories inadvertently resurface, like a small splinter penetrating deeply into the skin. These pieces of sealed information flow indistinctly in the collective subconscious, waiting to be washed away and digested.
2019年言論自由日特展│被折斷的筆桿
展期│2019.04.03—12.15
時間│星期二—星期日 09:00—17:00
地點│國家人權博物館 白色恐怖景美紀念園區 美工工廠
地址│新北市新店區復興路131號
主視覺設計│韶wei
2018「房間裡的大象」黃至正個展 / Elephant In The Room - Huang Chih-Cheng Solo Exhibition
展期 | 2018 / 12 / 17 - 2019 / 01 / 20
開幕 | 2018 / 12 / 29 (六) 下午3時
地點 | Telling Arts | 疊藝術 台北市光復南路415巷40號(捷運國父紀念館站)
開放時間 | 星期一至日,下午1時至8時
特別感謝 | 劉先生鼎力支持與協助本展各項事宜
「萬物的界線是曖昧的,永不復見的人能隨時在記憶中重逢、無關的事物能透過奇想賦予連結,因而創作該是在人們習以為常的生活中,製造些微的騷動,在人們以為一成不變的尋常日子裡,暗示另一個知覺性世界存在的可能。」── 黃至正《暗湧》
「這次的個展以《暗湧》系列為軸,個人情感經驗作為引線,揭示社會中存在著眾多問題需被關注,卻受到忽視這一現象,例如性少數、貧富差距和身心障礙。至正作品中常包括記憶的元件,是自己的記憶、同時也是集體記憶,小時候父母談及性議題的時候,總是將責任歸屬學校裡的老師,而老師又往往難以啟齒而草率帶過,當我們知道性是自然的、而性教育是必須的,但卻難以落實,只能任由問題衍伸更多問題。 因此至正這次個展以『房間裡的大象』為名,把自己的情感壓縮重製,放展成電影場景般的片段,讓成長經驗中刻意受到避談的問題與迷惑以暗示性的畫面再現,至正一樣擅用金箔,讓畫作如宗教祭壇一般神秘莊嚴,但關注的卻總是人性的與太人性的。」
藝術家及作品介紹:
黃至正 Huang Chih-Cheng
https://www.tellingarts.com/huangchihcheng
2018 胼胝日記 Tylosis Diary
第一次讀到"胼胝"一詞是在生物課本上的"胼胝體",那是左右腦間的橋樑,當胼胝體失去功能,有些訊息就無法交換傳輸,一具身體當中可能就會出現兩個意志般地各自行動。
標題所用的"胼胝"和親緣相關,當阿公過世以後屏東老家的親人彷彿失去胼胝體的大腦互不往來,我利用乳膠翻下家中一面面牆壁、地磚、傢俱,翻製的時候細微的空隙會被完整複製,縫隙中的髒污也被連根拔起。 "胼胝"同時也是異常增生的角質,我撕下的一片片翻模重組後並無胼胝體般聯繫親緣之意圖,只是試圖撕下個人回憶與現況間因差異所產生的厚重角質,與生命中的變異一起移動。
標題所用的"胼胝"和親緣相關,當阿公過世以後屏東老家的親人彷彿失去胼胝體的大腦互不往來,我利用乳膠翻下家中一面面牆壁、地磚、傢俱,翻製的時候細微的空隙會被完整複製,縫隙中的髒污也被連根拔起。 "胼胝"同時也是異常增生的角質,我撕下的一片片翻模重組後並無胼胝體般聯繫親緣之意圖,只是試圖撕下個人回憶與現況間因差異所產生的厚重角質,與生命中的變異一起移動。
2018 第一季駐村藝術家聯展 / Season 1 Residency Artists Exhibition
藝術顧問短介
黃至正的作品以金箔、影像轉印和縫線等建立了屬於他的語言,活性極低的金銀箔服貼在紙或布上,影像則是關於死亡和生命的稍縱即逝,永恆與死亡的兩端縫合在一則一則的語言中。〈烙印〉源自藝術家所駐留的藝術村周邊,政府行政機關林立同時也是人民抗議群聚的核心地帶,頻繁地高喊口號迴響在空中。而因為分隔機關空間和抗議團體做設置的拒馬,銳利的尖刺和密網除了警示作用之外,甚至因為大量架設的關係反而有了某種程度的「美感」。歷經各場風雨和對峙,這些尖刺漸漸地蓋上鐵鏽,藝術家以有療癒意象的紗布拓印鐵鏽痕跡,修護人民心中的傷口。〈自燃之屋 〉命名自台灣近來因為古蹟保存運動和政府、建商都市發展之間的矛盾,經常會有古蹟無緣故被燒毀之案例。藝術家便透過藝術創作來思考此一議題。
Art Consultant 's Brief Introduction
Gold foil, image transfer, and suture are unique expressions in the works of Huang Chih-Cheng. With low reactive capacity, the gold foil lies flat against the paper or cloth, while the images depict death and the fleeting nature of life, merging the concept of eternity with mortality. Work Brand is inspired by the surroundings of the artist village of his residence, an area with several government buildings and with frequent demonstrations and protests. The large quantity of needle-sharp thorns and wires on barricades, placed to separate the administration spaces and the protest groups as an expression of warning, create an unexpected sense of beauty. Enduring the rain and wind, the thorns are gradually covered with rust. The artist rubs the traces of rust onto the gauze dressings, creating a therapeutic impression symbolling the healing of the wounds of the people’s hearts. The title Spontaneous Heritage Combustion was inspired by the conflicts in issues of historical preservation between local people, the government, and construction companies, also the several cases of historical sites being burned without warning. The artwork reflects the artist’s contemplation about the issue.
黃至正的作品以金箔、影像轉印和縫線等建立了屬於他的語言,活性極低的金銀箔服貼在紙或布上,影像則是關於死亡和生命的稍縱即逝,永恆與死亡的兩端縫合在一則一則的語言中。〈烙印〉源自藝術家所駐留的藝術村周邊,政府行政機關林立同時也是人民抗議群聚的核心地帶,頻繁地高喊口號迴響在空中。而因為分隔機關空間和抗議團體做設置的拒馬,銳利的尖刺和密網除了警示作用之外,甚至因為大量架設的關係反而有了某種程度的「美感」。歷經各場風雨和對峙,這些尖刺漸漸地蓋上鐵鏽,藝術家以有療癒意象的紗布拓印鐵鏽痕跡,修護人民心中的傷口。〈自燃之屋 〉命名自台灣近來因為古蹟保存運動和政府、建商都市發展之間的矛盾,經常會有古蹟無緣故被燒毀之案例。藝術家便透過藝術創作來思考此一議題。
Art Consultant 's Brief Introduction
Gold foil, image transfer, and suture are unique expressions in the works of Huang Chih-Cheng. With low reactive capacity, the gold foil lies flat against the paper or cloth, while the images depict death and the fleeting nature of life, merging the concept of eternity with mortality. Work Brand is inspired by the surroundings of the artist village of his residence, an area with several government buildings and with frequent demonstrations and protests. The large quantity of needle-sharp thorns and wires on barricades, placed to separate the administration spaces and the protest groups as an expression of warning, create an unexpected sense of beauty. Enduring the rain and wind, the thorns are gradually covered with rust. The artist rubs the traces of rust onto the gauze dressings, creating a therapeutic impression symbolling the healing of the wounds of the people’s hearts. The title Spontaneous Heritage Combustion was inspired by the conflicts in issues of historical preservation between local people, the government, and construction companies, also the several cases of historical sites being burned without warning. The artwork reflects the artist’s contemplation about the issue.
2017 木木藝術紙本作品聯展 PAPER • ART
紙本是創作中最先接觸的基本媒材,經由不斷的練習,藝術家從紙本、畫布、複合媒材以至於立體雕塑,發展出各個面向的藝術呈現,此次的2017年紙本作品聯展,共計邀請11位藝術家:中島麦、李姿玲、李政勳、林怡君、高雅婷、莊東橋、陳奎延、黃至正、溫孟瑜、蔡孟岑、蕭雅心(依姓氏筆畫排序)共同參展,每位藝術家將展出至少一個組件之紙本作品,以各自不同的風格及技法呈現繪畫與繪畫之外的創作,藉由『紙』本身手感展現藝術家的創作面貌,同時也展現當代藝術中紙張之維度。
2017 Scenery - 林泱伶、陳奎延、黃至正、連苡安 四人聯展
景物是平面作品中很常呈現且所見的一種,藝術家藉由自身記憶中的景色和著各自內涵進而繪畫,也因此有著各自不同的呈現與氣質。
此次的開春首展,我們邀請林泱伶、陳奎延、黃至正、連苡安(依筆畫排序)四人以各自不同的繪畫創作方式闡述『景』的意涵,有別於一般景色的無邊遼闊,四位藝術家以中小型作品的反比對照出心靈景色的色彩及語彙。
此次的開春首展,我們邀請林泱伶、陳奎延、黃至正、連苡安(依筆畫排序)四人以各自不同的繪畫創作方式闡述『景』的意涵,有別於一般景色的無邊遼闊,四位藝術家以中小型作品的反比對照出心靈景色的色彩及語彙。
2017 水墨×複數 II:新世代水墨展 Ink x Multiplicities II:Joint Exhibition from the Next Generation
參展藝術家:陳睿淵,黃至正,葉仁焜, 韓妤
策展人/吳超然
水墨 × 複數 展覽,總共邀請了八位新世代的水墨創作者,第一檔的蕭珮宜、林衍馨、洪瑄、涂智惟,以及第二檔的黃至正、韓妤、葉仁焜以及陳睿淵。這些創作者的年紀都幾乎在30歲以下,並受過學院的嚴謹訓練。第二檔展覽裡,黃至正展出了他的新作〈侵蝕的記億〉系列,在這一組作品中,他沿用了近年所使用的電腦繪圖輸出轉印的方式,結合了金銀箔的腐蝕,象徵了他所關懷的家族記憶與個人生命的處境。韓妤從大學時代就偏好在作品裡營造出一個充滿怪物與植物的異想世界。在空白的背景上,她擅長使用細膩的暈染與設色,堆疊出具有厚度的空間感。陳睿淵是此次展覽中唯一來自馬來西亞的華人。從研究所時代,他受到德國畫家李希特(Gerhard Richter)的影響,畫面著重於視覺影像的再現。無論是都會的城市景觀,或自然風景在陳睿淵的畫作中,經由模糊化的處理,呈現了一種海市蜃樓的當代風景。大學主修水墨,研究所階段才接觸膠彩的葉仁焜,在他的作品裡熟練的混合了水墨、膠彩、貼箔等手法。作品往往出現一種看似廢墟的空間,卻又隱含著人類活動的足跡;一種被壓抑的孤寂與疏離,或許正是現代都市人的心理寫照。此次展覽雖無法全盤代表台灣當代水墨的現況,但從這些年輕創作者的作品中,無論是題材選擇、技法多樣性,或對材質的研究上,都看得出用心與誠懇。可以期待,假以時日,他 / 她們必然會在台灣與國際的藝術舞台上,大展身手。在這個意義下,本展覽正是希望能扮演年輕創作者邁向國際的一座橋樑。
2016 Made In Taiwan-新人推薦特區
ART TAIPEI Made in Taiwan-Young Artist Discovery
文化部自2008年起與台北國際藝術博覽會一同推動「Made In Taiwan:新人推薦特區」,提供青年藝術家與國際藝術平台接軌的機會,每年固定徵選八位(組)國內優秀年輕藝術家參展,凡具備中華民國國籍,年齡35歲(含)以下,目前無畫廊專屬經紀合約(「展覽約」及「非專屬代理約」可參加),且未曾於新人推薦特區展出者均可報名。依照歷年選出的MIT新人藝術家的經驗,多數都在台北國際藝術博覽會展出後,獲得國內外媒體及收藏家的關注,也獲機構類型國內外畫廊、美術館等青睞,積極規畫新人藝術家於展覽期間經紀畫廊之媒合機制,鼓勵藝術家與藝術產業的實際接軌經驗。文化部近期也公布了今年度MIT新人藝術家推薦名單包括:吳育霈、陳云、莊志維、彭譯毅、吳芊頤、溫孟瑜、黃舜廷、黃至正。今年台北國際藝術博覽會預定於今年11月12日至11月15日在台北世貿中心一館舉行。
2016 123自由日 新世代藝術現場
The New Generation Art, New Taipei Gallery, Taipei, Taiwan
文/伊日美學
臺灣年輕藝術家創作能量豐沛,卻往往因藝文空間的不足或條件限制,無法自由展現創意思維,為提供青年藝術家更寬廣的藝術發表交流平台,新北市政府與伊日美學生活基金會合作,延續「台北藝術自由日」的精神,邀請新世代藝術家以展覽的形式自由發聲,透過各自擅長的領域,鼓勵各種實驗性質的藝術多元發展。
「台北藝術自由日」由伊日美學生活基金會於2014年創辦,銳意打造一個破除所有限制的平台,讓藝術自由地發生,創造出最大的自由,期待所有可能都實現。我們相信如同哲學家卡謬所言「自由應是一個使自己變得更好的機會」,起初的想法是希望打造一個突破框架的藝術博覽會,參展藝術家毋須支付場地租金,可以更加專注於創作上;民眾免費入場參觀,降低藝術活動的參與門檻。
在臺灣,當代藝術發展與全球藝術趨勢密不可分,而島嶼獨特的地理和社會狀態更是藝術家在思考與創作過程中無法割捨的深切底蘊。揉合多元文化洗禮與世界觀點的多重視野,在現今典範快速轉移的社會脈動下,藝術與社會真切地交融。
「123自由日─新世代藝術現場」並非意圖對時代逕下定論,而是積極地搭建對話渠道,透過藝術家將對於時代與環境的觀察體現於藝術作品,打造一個實踐與欣賞的平台、一場充滿熱情與張力的精采盛典。本展以「環境X藝術」為主題,揭示當代藝術與自然環境、社會環境密不可分的交融關係。參展藝術家有著鮮明的特色,他們或許是美術學院背景的專職藝術家、也可能是熱愛藝術的業餘創作者,共通點在於皆擁有竭力透過各式媒材將觀念以當代語彙轉化為作品的熱情,形式互異、充滿熱力與些許的瘋狂,恰如當代藝術總為生活展現各式張力的精神。
臺灣年輕藝術家創作能量豐沛,卻往往因藝文空間的不足或條件限制,無法自由展現創意思維,為提供青年藝術家更寬廣的藝術發表交流平台,新北市政府與伊日美學生活基金會合作,延續「台北藝術自由日」的精神,邀請新世代藝術家以展覽的形式自由發聲,透過各自擅長的領域,鼓勵各種實驗性質的藝術多元發展。
「台北藝術自由日」由伊日美學生活基金會於2014年創辦,銳意打造一個破除所有限制的平台,讓藝術自由地發生,創造出最大的自由,期待所有可能都實現。我們相信如同哲學家卡謬所言「自由應是一個使自己變得更好的機會」,起初的想法是希望打造一個突破框架的藝術博覽會,參展藝術家毋須支付場地租金,可以更加專注於創作上;民眾免費入場參觀,降低藝術活動的參與門檻。
在臺灣,當代藝術發展與全球藝術趨勢密不可分,而島嶼獨特的地理和社會狀態更是藝術家在思考與創作過程中無法割捨的深切底蘊。揉合多元文化洗禮與世界觀點的多重視野,在現今典範快速轉移的社會脈動下,藝術與社會真切地交融。
「123自由日─新世代藝術現場」並非意圖對時代逕下定論,而是積極地搭建對話渠道,透過藝術家將對於時代與環境的觀察體現於藝術作品,打造一個實踐與欣賞的平台、一場充滿熱情與張力的精采盛典。本展以「環境X藝術」為主題,揭示當代藝術與自然環境、社會環境密不可分的交融關係。參展藝術家有著鮮明的特色,他們或許是美術學院背景的專職藝術家、也可能是熱愛藝術的業餘創作者,共通點在於皆擁有竭力透過各式媒材將觀念以當代語彙轉化為作品的熱情,形式互異、充滿熱力與些許的瘋狂,恰如當代藝術總為生活展現各式張力的精神。
2016 第八屆亞洲當代藝術展
ASIA CONTEMPORARY ART SHOW Venue: Room 4107, Conrad Hong Kong
疊藝術的展位在香港港麗酒店41樓 7 號房,延續了台北預展「7號(房)」的空間概念,在活潑新穎的飯店型博覽會上,呈現藝術家們對於空間屬性的各式探索,於會展間絡繹不絕穿梭的參觀嘉賓,這次可以更貼近擁有,進而連結自身對於情感生命的獨特視角,透過藝術展演構築另一種對於空間宅邸的美好想像!藝術家們更會親自現身展會當中,與藝術愛好者和收藏家們見面,分享交流創作的理念,疊藝術在四天的展期間皆有安排專場導覽的活動,以及藝術家陪同暢遊香港藝術週的看展互動!
The 8th edition of the Asia Contemporary Art Show will be held March 24 - 27, 2016, again at the convenient 5-star Conrad Hong Kong in Pacific Place.
The Show is at the heart of Hong Kong Art Week and at the same time as other important art fairs – the biggest week of the year for art in Hong Kong. Browse and buy original paintings, limited editions, sculpture and photography from some of the world's most interesting and promising artists - from emerging and mid-career artists, to those who have already achieved recognition in private and public collections, and at auction.
The 8th edition of the Asia Contemporary Art Show will be held March 24 - 27, 2016, again at the convenient 5-star Conrad Hong Kong in Pacific Place.
The Show is at the heart of Hong Kong Art Week and at the same time as other important art fairs – the biggest week of the year for art in Hong Kong. Browse and buy original paintings, limited editions, sculpture and photography from some of the world's most interesting and promising artists - from emerging and mid-career artists, to those who have already achieved recognition in private and public collections, and at auction.
2016 台北國際藝術村 ,疊藝術,「7號(房)」
Taipei Artist Village, Telling Arts, (Room) No. 7
「7號(房)」,以台北國際藝術村為門牌命名,將它作為(房)的象徵,透過兩天進駐來探討人與(房)之間若即若離的關係。透過六位藝術家獨特的視角,重新詮釋(房)與生命之間的情感連結: 黃至正 : 以一個有著櫃子的回憶角落作為展覽背景,呈現(房)中與家族記憶的聯結,以鋁箔為基底,藉由生物影像顯現出恍若幽靈一般被遺忘的情感角落。
Named after the plate of Taipei Artist Village, '(Room) No. 7' serves as a symbolic room where we explore the relation between room and people.This two-day exhibition captures the temporality one encounters with (Room), including the many possible forms of interactions, perspectives and memories to be taken place during the exhibition.
'(Room) No. 7' is a rediscovery of six unique approaches by six artists:
Huang Chih-Cheng takes a corner with a cabinet as his setting to reveal ones relation with family. The artist uses aluminium foil and ink as his media and depicts a family’s forgotten memories.
Named after the plate of Taipei Artist Village, '(Room) No. 7' serves as a symbolic room where we explore the relation between room and people.This two-day exhibition captures the temporality one encounters with (Room), including the many possible forms of interactions, perspectives and memories to be taken place during the exhibition.
'(Room) No. 7' is a rediscovery of six unique approaches by six artists:
Huang Chih-Cheng takes a corner with a cabinet as his setting to reveal ones relation with family. The artist uses aluminium foil and ink as his media and depicts a family’s forgotten memories.
2015 夢‧棲地─館藏青年藝術主題展,國立台灣美術館,台中,台灣
Dreams.Habitations NTMoFA Young Artist Collection Exhibition,National Taiwan Museum of Fine Arts, Taichung, Taiwan
臺灣當代藝術的多元發展,持續呈現源源不絕的創意及對當下社會環境的關照與美學的反思,絕對與年輕一代的創作者透過自身語彙不斷導入創作能量有重要的關聯。文化部所屬國立臺灣美術館歷年來在典藏基礎上策辦多項青年藝術相關主題展覽,持續性探討青年世代的創作風格、脈絡與意涵。今年策辦之「夢‧棲地-館藏青年藝術主題展」,在近15,000件館藏品中,以1970年後出生(45歲以下)之藝術家作品為選件標的,從888件館藏青年作品中擇選77件展出,探討當代青年面對自我、當代生活以及未來世界所做出的反思與回應,及其為尋求更好的未來時所產生的游移與不安狀態。
「夢‧棲地-館藏青年藝術主題展」分為「失落與游移-內在秩序之重整與私密空間之必要」、「現實與去現實-失常的日常環境」、「未來寓言-尋找未知的棲地」三項子題。在展覽架構上,從青年對自我/內在與「家」的認知出發,進而與社會和自然環境產生連結與溝通,並對未知的未來有所幻想與描繪。透過展覽可發現臺灣青年藝術創作與時代環境之變動息息相關,此外也呈現青年對安定力量的需求、想像或期望。
The period of one’s youth is a critical phase for an artist’s career. Many artists have made their debuts in their youth, showcasing their talent for the first time. It is during this period that their techniques are becoming more matured, as they begin to widely explore different subject matters and enthusiastically express their viewpoints. Youths of different eras are reflections of the social and cultural phenomena unfolding in those specific times, and this is why National Taiwan Museum of Fine Arts (NTMoFA) collects artworks by young artists. In addition to documenting the artistic careers of these artists, the collection is also intended as a preservation of important data for art and cultural studies.
NTMoFA has organized several young art exhibitions based on the museum’s collection in the recent years, continuing to explore the creative styles and outlooks demonstrated by the young generation. In addition to introducing to the public artworks by young artists, a creative context based on young art is also being observed, constructed, and presented. presented this year includes 77 artworks selected from the museum’s collection of 15,000 artworks, which was narrowed down to 888 artworks by artists born after the year 1970 (45 years old or younger). These artworks by young artists have made the museum’s collection more diverse, and they have, furthermore, become an important databank for the studies of Taiwanese artists born after 1970. Although only selected artworks from the collection can be showcased in each exhibition, however, the contemporary social atmosphere in Taiwan is still candidly presented each time, with an approach of sampling used to highlight unique notable features observed in young art.
「夢‧棲地-館藏青年藝術主題展」分為「失落與游移-內在秩序之重整與私密空間之必要」、「現實與去現實-失常的日常環境」、「未來寓言-尋找未知的棲地」三項子題。在展覽架構上,從青年對自我/內在與「家」的認知出發,進而與社會和自然環境產生連結與溝通,並對未知的未來有所幻想與描繪。透過展覽可發現臺灣青年藝術創作與時代環境之變動息息相關,此外也呈現青年對安定力量的需求、想像或期望。
The period of one’s youth is a critical phase for an artist’s career. Many artists have made their debuts in their youth, showcasing their talent for the first time. It is during this period that their techniques are becoming more matured, as they begin to widely explore different subject matters and enthusiastically express their viewpoints. Youths of different eras are reflections of the social and cultural phenomena unfolding in those specific times, and this is why National Taiwan Museum of Fine Arts (NTMoFA) collects artworks by young artists. In addition to documenting the artistic careers of these artists, the collection is also intended as a preservation of important data for art and cultural studies.
NTMoFA has organized several young art exhibitions based on the museum’s collection in the recent years, continuing to explore the creative styles and outlooks demonstrated by the young generation. In addition to introducing to the public artworks by young artists, a creative context based on young art is also being observed, constructed, and presented. presented this year includes 77 artworks selected from the museum’s collection of 15,000 artworks, which was narrowed down to 888 artworks by artists born after the year 1970 (45 years old or younger). These artworks by young artists have made the museum’s collection more diverse, and they have, furthermore, become an important databank for the studies of Taiwanese artists born after 1970. Although only selected artworks from the collection can be showcased in each exhibition, however, the contemporary social atmosphere in Taiwan is still candidly presented each time, with an approach of sampling used to highlight unique notable features observed in young art.
2015 新進藝術家育成展,筑波美術館,筑波,日本
FINE ART / UNIVERSITY SELECTION, Tsukuba Museum of Art, Tsukuba, Japan
“FINE ART / UNIVERSITY SELECTION 2015-2016” for young artists’ exchange and development is the exhibition collecting artworks of 97 young artists active in Japan and other countries in categories of painting, print works, sculpture, and calligraphy.
Since 2013, we have been hosting this exhibition as a critical part of the project under the sponsorship of Agency of Cultural Affairs, “Young Artist Development Project for Creation of Next-Generation Culture.” It will be the third exhibition this year. Under the master plan of “Creation of new fields of performance for young fine artists: Building ‘Fine Art Universiade’ infrastructure,” the University of Tsukuba continuously makes efforts as the host to expand the scale of the exhibition with entries of more young artists from wider regions and countries.
In this project, we will continue to properly evaluate young fine artists and their artworks, and to widely disseminate information through the new network built on the base of inter-university exchange domestically and globally. By encouraging the global and borderless exchange among artists across the existing framework such as nations and/or universities, we contribute to developing artists who will play leading roles in the culture in the future generation.
Since 2013, we have been hosting this exhibition as a critical part of the project under the sponsorship of Agency of Cultural Affairs, “Young Artist Development Project for Creation of Next-Generation Culture.” It will be the third exhibition this year. Under the master plan of “Creation of new fields of performance for young fine artists: Building ‘Fine Art Universiade’ infrastructure,” the University of Tsukuba continuously makes efforts as the host to expand the scale of the exhibition with entries of more young artists from wider regions and countries.
In this project, we will continue to properly evaluate young fine artists and their artworks, and to widely disseminate information through the new network built on the base of inter-university exchange domestically and globally. By encouraging the global and borderless exchange among artists across the existing framework such as nations and/or universities, we contribute to developing artists who will play leading roles in the culture in the future generation.
2015《彼岸遊蕩》黃至正創作個展
Roaming the shores – Huang chih cheng solo exhibition
展期:2015年12月4日 ~ 2016年1月16日 開幕:2015年12月4日 週五 16:00~19:00
文/黃至正
遊蕩是我生活與創作的模式,在不同媒材間遊蕩,影像和繪畫間遊走,生活和工作之間的游移,藉由創作去釐清生活中的關係。
創作的方向和發想,主要是圍繞在生命議題和感情抒發上,在生命的循環裡有許多課題,透過創作尋找另一種可能的答案。透過拆解、拼貼、重組的方式,將人與自然、與動物、或自我與他人的關係,以圖像的方式轉譯,試圖從中尋求自身因應的態度。我藉由動物為媒材去對應人類的生活,例如鴿子能作為賽鴿被訓練與眷養,也能看見鴿子無拘無束的在廣場上聚集,牠們如同人類於社會中生活所展現的各個面向,我們受道德與律法規訓,能在適當的時間說對的話、做對的事,成為一個標準的人,但我們也追求自由,透過音樂、透過藝術、透過舞蹈,企望自由自在的展現自我。或許是內在 仍帶有著孩童的幻想,而藉由拼貼鴿子樂園和花園的故事,延伸至一個遠離現實的烏托邦與永無島。以箔來做呈現,是因為箔在光線的照射下,會反射周遭的環境,略微地映照現實空間,對我來說那是暗示另一個世界的存在,而金箔這樣的材質,不僅有它獨特的精神性,當用影像和繪畫創作時,更意謂著神聖與永恆。
作品中大多是來自日常經驗與感知,眾多的片刻交織成一個完整的生命地圖,我用創作紀念,同時也是我體認生命的一種方式。
遊蕩是我生活與創作的模式,在不同媒材間遊蕩,影像和繪畫間遊走,生活和工作之間的游移,藉由創作去釐清生活中的關係。
創作的方向和發想,主要是圍繞在生命議題和感情抒發上,在生命的循環裡有許多課題,透過創作尋找另一種可能的答案。透過拆解、拼貼、重組的方式,將人與自然、與動物、或自我與他人的關係,以圖像的方式轉譯,試圖從中尋求自身因應的態度。我藉由動物為媒材去對應人類的生活,例如鴿子能作為賽鴿被訓練與眷養,也能看見鴿子無拘無束的在廣場上聚集,牠們如同人類於社會中生活所展現的各個面向,我們受道德與律法規訓,能在適當的時間說對的話、做對的事,成為一個標準的人,但我們也追求自由,透過音樂、透過藝術、透過舞蹈,企望自由自在的展現自我。或許是內在 仍帶有著孩童的幻想,而藉由拼貼鴿子樂園和花園的故事,延伸至一個遠離現實的烏托邦與永無島。以箔來做呈現,是因為箔在光線的照射下,會反射周遭的環境,略微地映照現實空間,對我來說那是暗示另一個世界的存在,而金箔這樣的材質,不僅有它獨特的精神性,當用影像和繪畫創作時,更意謂著神聖與永恆。
作品中大多是來自日常經驗與感知,眾多的片刻交織成一個完整的生命地圖,我用創作紀念,同時也是我體認生命的一種方式。
2015 藝術進駐 橋仔頭糖廠藝術村
K.A.T Artist-in-Residence Exhibition
文/ K.A.T 策展團隊
2500年前…中世紀古老的傳說裡相信,
從礦物中找到某幾種元素就會煉成黃金,或是長生不老藥。
於是,眾人用盡一生的氣力追尋…。
有人是為了喚回最珍貴的母親(大地),鍛鍊長生不老藥,希望心愛的母親復活,用盡力氣「煉金」,可是卻已不是原本的她;有人相信煉金具有神奇的力量可以取得權力、財富、長生不老,為達目標不計代價,因而走火入魔。
煉金,最重要的是歷程,在這追尋的過程裡,心靈是提昇? 還是墮落?
回首,原來「金」就在腳下的風土。
本屆藝術進駐藝術家是由評選委員徹夜討論,從43個國家中選出6位來自台灣、日本、美國紐約、義大利、以色列的藝術家,以「煉金-甘蔗與萊姆酒」為主題,透過創作的脈絡,探討台灣糖業遺址的多面向議題,我們大膽的提問:「為什麼台灣有甘蔗卻沒有萊姆酒?」,看似無聊的小問題,卻可以帶出背後台灣農業政策、台糖土地處理、文化資產保存、環境藝術教育…等社會結構性的問題。
1901糖金時代的精采故事,吸引一群來自世界各地的煉金術師(藝術家),帶著自己的創作脈絡來到這片土地,用60天840個小時窺探這片異地的奇幻與驚險,藝術家們循著「K.A.T.12年」的秘笈,遍尋這片土地的元素,不同的文化交織著緊張而精彩的關係,煉出21世紀的「糖金」。
Yuka Otani以甘蔗汁作為媒介,帶社區的孩子用「magic ink」玩「炙燒 Aburidashi」;Massa, a.k.a. M33對台東原住民大師拉黑子的作品深深崇拜;Aubrey Roemer來自世界公認最「當代」的紐約,卻覺得那早已失去文化,因此投入尼加拉瓜糖廠勞工抗爭運動長達一年的時間;The Island來自義大利,行跡總是神秘,多元的媒材應用令人稱奇;來自以色列的Nili挑戰兩個月內完成一檔FASHION SHOW及駐村計畫,總共飛了地球兩圈。
所以,一起加入瘋狂的煉金術師們的奇異幻想吧!在嚐了一口萊姆酒之後…
2500年前…中世紀古老的傳說裡相信,
從礦物中找到某幾種元素就會煉成黃金,或是長生不老藥。
於是,眾人用盡一生的氣力追尋…。
有人是為了喚回最珍貴的母親(大地),鍛鍊長生不老藥,希望心愛的母親復活,用盡力氣「煉金」,可是卻已不是原本的她;有人相信煉金具有神奇的力量可以取得權力、財富、長生不老,為達目標不計代價,因而走火入魔。
煉金,最重要的是歷程,在這追尋的過程裡,心靈是提昇? 還是墮落?
回首,原來「金」就在腳下的風土。
本屆藝術進駐藝術家是由評選委員徹夜討論,從43個國家中選出6位來自台灣、日本、美國紐約、義大利、以色列的藝術家,以「煉金-甘蔗與萊姆酒」為主題,透過創作的脈絡,探討台灣糖業遺址的多面向議題,我們大膽的提問:「為什麼台灣有甘蔗卻沒有萊姆酒?」,看似無聊的小問題,卻可以帶出背後台灣農業政策、台糖土地處理、文化資產保存、環境藝術教育…等社會結構性的問題。
1901糖金時代的精采故事,吸引一群來自世界各地的煉金術師(藝術家),帶著自己的創作脈絡來到這片土地,用60天840個小時窺探這片異地的奇幻與驚險,藝術家們循著「K.A.T.12年」的秘笈,遍尋這片土地的元素,不同的文化交織著緊張而精彩的關係,煉出21世紀的「糖金」。
Yuka Otani以甘蔗汁作為媒介,帶社區的孩子用「magic ink」玩「炙燒 Aburidashi」;Massa, a.k.a. M33對台東原住民大師拉黑子的作品深深崇拜;Aubrey Roemer來自世界公認最「當代」的紐約,卻覺得那早已失去文化,因此投入尼加拉瓜糖廠勞工抗爭運動長達一年的時間;The Island來自義大利,行跡總是神秘,多元的媒材應用令人稱奇;來自以色列的Nili挑戰兩個月內完成一檔FASHION SHOW及駐村計畫,總共飛了地球兩圈。
所以,一起加入瘋狂的煉金術師們的奇異幻想吧!在嚐了一口萊姆酒之後…
2015 台北藝術自由日,華山1914文化創意產業園區,台北,台灣
Taipei Free Art Fair, Huashan 1914 Creative Park, Taipei, Taiwan
「伊日美學生活基金會」與「自由人藝術公寓」創辦台北藝術自由日。打造一個平台,破除所有限制,讓藝術自由的在這裡發生。來自世界各地的藝術家、藝術團隊,沒有任何負擔的盡情創作、自由交流。等待被發掘、被看見的年輕創作者,給國際藝術家、策展人及藝術媒體都看見。當我們創造出最大的自由,期待所有可能都實現。「自由應是一個使自己變得更好的機會。」—阿爾貝•卡繆
YIRI Living Foundation and Freedom Men Art Apartments created Taipei Free Art Fair to create a platform without restrictions, promoting artistic freedom. Artists and groups from around the world, creating and interacting freely. Uncovering gems, unleashing potential, a space to be seen. To realize our greatest expectations in a place without limits.
YIRI Living Foundation and Freedom Men Art Apartments created Taipei Free Art Fair to create a platform without restrictions, promoting artistic freedom. Artists and groups from around the world, creating and interacting freely. Uncovering gems, unleashing potential, a space to be seen. To realize our greatest expectations in a place without limits.
2015 「森之晚宴」,麗晶精品,台北,台灣
2015 Forest Banquet, Regent Galleria , Taipei, Taiwan
文/吳碧燕
二位彼此不認識的藝術家,卻在藝術表現上有了某些微妙的聯繫,讓他們在一個虛幻的森林世界有了未預期的巧遇。像是彼此在接龍著對方的情節,二者又不斷的互換主秀開演著,也可以讓觀者來延續著他們的故事。每個角色都讓人有很多想像,所有場景都蘊藏許多隱喻。在他們的森林世界裡,活靈活現了童話般劇情。童話是虛構的,甚至幼稚的,是通過自我意識建構的一種幻象,但其結局的圓滿性又具有荒誕性。那不僅僅是兒童的純美世界,也是屬於成人的一種寄託。
而藝術家的創作媒材也值得細細探索。夏愛華的日本生漆技法,可推溯到1000年前的佛教造像技術,每件作品都需要數月甚至一年的創作時間,是藝術家專注於人、自然、神靈三者關係的共處歷程。而黃至正則以影像、拼貼、複合媒材的運用來造型他的故事角色,呈現歐洲中古世紀銅版畫的神秘色彩,刻意又不預期的蹦出荒誕卻似存在的生命體,讓情節不斷延續著,舞台在金箔的反射下,留住永恆的片刻。一場純美的童話,隱喻的現實劇碼,在一個非開放性的場域,揭幕了夢幻的森之晚宴。
二位彼此不認識的藝術家,卻在藝術表現上有了某些微妙的聯繫,讓他們在一個虛幻的森林世界有了未預期的巧遇。像是彼此在接龍著對方的情節,二者又不斷的互換主秀開演著,也可以讓觀者來延續著他們的故事。每個角色都讓人有很多想像,所有場景都蘊藏許多隱喻。在他們的森林世界裡,活靈活現了童話般劇情。童話是虛構的,甚至幼稚的,是通過自我意識建構的一種幻象,但其結局的圓滿性又具有荒誕性。那不僅僅是兒童的純美世界,也是屬於成人的一種寄託。
而藝術家的創作媒材也值得細細探索。夏愛華的日本生漆技法,可推溯到1000年前的佛教造像技術,每件作品都需要數月甚至一年的創作時間,是藝術家專注於人、自然、神靈三者關係的共處歷程。而黃至正則以影像、拼貼、複合媒材的運用來造型他的故事角色,呈現歐洲中古世紀銅版畫的神秘色彩,刻意又不預期的蹦出荒誕卻似存在的生命體,讓情節不斷延續著,舞台在金箔的反射下,留住永恆的片刻。一場純美的童話,隱喻的現實劇碼,在一個非開放性的場域,揭幕了夢幻的森之晚宴。
2015 高雄漾藝術博覽會 ,駁二藝術特區,高雄,台灣
Young Art Kaohsiung, The Pier-2 Art Center, Kaohsiung, Taiwan
計畫說明
1964 年的夏天,美國發生了白人大學生支持黑人行使公民參政權的「自由之夏」運動,長期以來的種族隔離政策在那年正式宣告結束。這年,國會也公開聲援女性主義運動,而在藝術方面,安迪沃荷發表了重要的「布瑞洛箱」,徹底解構「藝術」原本代表的意涵。年輕就是代表一種自由奔放的力量,不被束縛的態度,挑戰權威,有無限的可能性。而年輕的藝術創作者,對於所處時代的描繪,更是展現多元的樣貌,表達出自己的想法。而為了呼應這樣的世代及力量,在 9 月的南台灣高雄,在充滿前衛解放精神的駁二藝術特區,高雄市政府文化局將辦理「高雄漾藝術博覽會」,打破以往藝術博覽會的限制,展現更自由解放的創作能量,一場屬於藝術的「自由之夏」即將展開。
計畫緣起
「高雄漾藝術博覽會」是一場打破展覽及博覽會藩籬的活動,以藝術家為單位的小型個展,串連成大型聯展,而這同樣也是一場快閃型的藝術博覽會,但不同於其他藝術博覽會的型態,這不是以畫廊為單位的博覽會型態,而是以未有畫廊經紀約之年輕藝術家為參展對象,跳脫參展限制及門檻,提供藝術家更多更自由的平台展現屬於自己藝術「漾」貌! 高雄市政府文化局設立之「高雄獎」旨在發掘獎勵年輕有潛力的藝術創作者,並同時自 2013 年開始辦理以畫廊為參展單位的「高雄藝術博覽會」,企圖重新建立高雄的藝術交易市場,在扶植培育年輕藝術創作者之外,也須要提供他們更多元的展售平台,因此,在高雄藝術博覽會之外另行舉辦「高雄漾藝術博覽會」,以更自由開放的型態提供年輕藝術家展現自己的舞台,進一步落實南部藝術產業的發展。
1964 年的夏天,美國發生了白人大學生支持黑人行使公民參政權的「自由之夏」運動,長期以來的種族隔離政策在那年正式宣告結束。這年,國會也公開聲援女性主義運動,而在藝術方面,安迪沃荷發表了重要的「布瑞洛箱」,徹底解構「藝術」原本代表的意涵。年輕就是代表一種自由奔放的力量,不被束縛的態度,挑戰權威,有無限的可能性。而年輕的藝術創作者,對於所處時代的描繪,更是展現多元的樣貌,表達出自己的想法。而為了呼應這樣的世代及力量,在 9 月的南台灣高雄,在充滿前衛解放精神的駁二藝術特區,高雄市政府文化局將辦理「高雄漾藝術博覽會」,打破以往藝術博覽會的限制,展現更自由解放的創作能量,一場屬於藝術的「自由之夏」即將展開。
計畫緣起
「高雄漾藝術博覽會」是一場打破展覽及博覽會藩籬的活動,以藝術家為單位的小型個展,串連成大型聯展,而這同樣也是一場快閃型的藝術博覽會,但不同於其他藝術博覽會的型態,這不是以畫廊為單位的博覽會型態,而是以未有畫廊經紀約之年輕藝術家為參展對象,跳脫參展限制及門檻,提供藝術家更多更自由的平台展現屬於自己藝術「漾」貌! 高雄市政府文化局設立之「高雄獎」旨在發掘獎勵年輕有潛力的藝術創作者,並同時自 2013 年開始辦理以畫廊為參展單位的「高雄藝術博覽會」,企圖重新建立高雄的藝術交易市場,在扶植培育年輕藝術創作者之外,也須要提供他們更多元的展售平台,因此,在高雄藝術博覽會之外另行舉辦「高雄漾藝術博覽會」,以更自由開放的型態提供年輕藝術家展現自己的舞台,進一步落實南部藝術產業的發展。
2015 「空氣樂園」,好氏品牌研究室,台北,台灣
AirAmusement, Good Studio, Taipei, Taiwan
「把遺憾當作遊園券,把成長當作紀念品。」《夢的遊樂園》重松清。每走進一座樂園,很容易被快樂所包圍,徜徉在烏托邦的世界中。建構一個虛擬的樂園,需要花多少時間,沒有入口也沒有盡頭,一個沒有人的樂園,由動物和骨骸拼接出的怪誕樂園,滿足自己的想像,從自己建立的王國對應這真實世界。
2015 台南新藝獎,大億麗緻酒店,台南,台灣
Next Art Tainan 2015,
Tayih Landis Hotel, Tainan, Taiwan
策展人Curator:楊佳璇Yang, Chia-Hsuan
策展簡述:
2015臺南新藝獎─場所之間
Next Art Tainan 2015─A Site Between
「臺南新藝獎」是一個由官方獎項延伸而出,以城市空間為場域的藝術展覽。繼策展人賴依欣於2014年以「蔓藝‧共生」為題,透過新藝獎以城市空間為展示舞台的 特質,以藝術為主角也同時為中介,展現台南的城市精神與氣質。城市空間作為藝術作品的舞台,也已成為新藝獎一項不同於其它官方展覽的主要特色。
延續新藝獎此一特質,以城市中的空間為舞台,其中部分的空間亦是屬於與日常生活較為貼近的非正式展示場所與空間,諸如:歷史古蹟空間、商店、咖啡館等,這些 空間的其中一項特性同時為:「需要透過日常生活以及人群的流動才得以建構出的場域」。因此,本屆「臺南新藝獎」,擷取日常、空間與人群作為關鍵字,從三者 的交疊作為展覽思考的切入路徑,提出「場所之間」一詞,作為此次展覽題稱,以及發想論述與展覽概念的詞彙。
所謂「場所 /Site」一詞,指涉與包含的意思有,「具體的地理位置、空間的概念,以及涉入特定人類活動的地方。若進一步從英語中的日常用語來解釋,與其相關的詞彙 則有「建築工地」(construction site)、「被廢棄的場域」(abandoned site)、「露營地」(campsite)到「考古遺址」(archaeological site)等(1)」。
在本展覽 中,除了借用「場所/Site」一詞其原本字義上的「某種固定的、根著的、物理意義上的地點」的定義,另外援引藝評家James Meyer所提出的「功能的場域」(functional site)一詞的概念,將「場所/Site」的固定概念,延展出為帶有「移動的、游牧的」概念。James Meyer以「是一個過程,發生於場域與場域之間,是一個機構的與文本來由的標示,在身體之間的移動,它是一個暫時的東西,一個運動,一個意義之鍊,層疊 的歷史」擴延出對場所一詞的界定。(2)
所謂透過人群活動所流動的場所,其實充斥於我們的日常。小範圍的場所,或許是人聲鼎沸的市 集、市場或購物商場,但放大到一種人身體移動的活動場域,或許就是從城市前往郊區,或從郊區往城市移動的過程,移動過程我們或許會經過某個城市中的荒地、 公園、或郊區周邊的農地等。於是從固定的場所,我們也注意到了因為進行某些人類活動,於場所之間移動過程的、原本被視為短暫的、卻僅只是被忽略、遺落、不 在意的「中間景觀」(middle landscape)。(3)
「中間景觀」即為連接著象徵不同結點的「場所/Site」。這些結點無法固定單獨存在,必須透過人的前往、進出才得以產生連結。在場所間來回重複往返的移動性,在時間與空間背景的物換星移下,交錯並連結出萬物情感與關係的隱匿層疊軌跡。
「2015臺南新藝獎」以「場所之間」作為切入主題,一方面釋出與正式或正規美術館空間帶有距離的非正式藝術場域的展示概念;另一方面,試圖轉換與地方 認同相依附的場域概念,從場所與場所之間,尋找差異、裂隙、邊界、變動與遺落的記事,開展出一種差異中的對話,以及不同框架下,社會、文化、語言、族群、 個人經驗與意識的種種樣貌。
附註:
1. 本段落關於「場所」一詞概念,參照呂佩怡,〈「OFF-Site」藝術初探〉,《現代美術學報》22期,2011年,頁13。
2. 同上註,頁15。
3. 「中間景觀」的概念取自:段義孚著;周尚意、張春梅譯,《逃避主義》,台北:立緒,2006,頁31。
Next Art Tainan 2015─A Site Between
“Next Art Tainan” comes from the official award. It is an art exhibition that transform city spaces into platforms to show art works. After curator Lai Yi-shin used “Next Art Tainan 2014: Articipation & Nextension” as a topic that based on city spaces as a stage to exhibit art. Art is the main subject and also a medium to show the spirit and elegance of Tainan. An important character of Next Art Tainan that differs from other official awards is that city spaces are the stages for art.
Extending this character of Next Art Tainan, spaces in the city are the stages as some unofficial exhibition spaces are more related to our lives, such as historical sites, stores, coffee shops, etc. One common feature of these spaces is that “they are a field that needs to be constructed through daily lives and people’s mobility.” Therefore, Next Art Tainan 2015 takes "daily", "space", and "people" as its key words. The interaction of these three features is the way to think about this exhibition. “A Site Between” is the key phrase guiding the development of works surrounding the concepts of this exhibition.
Site, implies the meaning of “specific geographical location and space,” and places where human activity occurs. Other related common use of the word "site" in English are: “construction site,” “abandoned site,” “campsite,” and “archaeological site.”
In this exhibition, the word “site” means “some fixed, and physical geographical locations.” Art Critics James Meyer raised the concept of “functional site” that stretched the original meaning of site into a “moving and nomadic” concept. “It is a process, an operation occurring between sites, a mapping of institutional and textual filiations and the bodies that move between them. It is a temporary thing, a movement, a chain of meanings and imbricated histories.” quote from Meyer. What he said has extended the meaning of site.
The mobile sites that make people move around actually exist in our daily lives. From some small sites such as markets, or malls, to large sites that allow people to move longer distances. For example, city to suburb or suburb to city. In the movement, we may pass some empty city grounds, parks, or suburban areas. We notice that human activities occur in fixed locations, and those sites that we by pass became “middle landscape” that are temporary, unmindful sites that are ignored by us.
“Middle landscape” is the connection that symbolizes different “sites” of different points. These points cannot exist alone. They need to contain people’s movements going through, entering and exiting, thus generating the connection. The movement of repeatedly moving back and forth between sites interlocked with whole universe’s emotions and relations with hidden tiered tracks under the change of time, space and background.
Next Art Tainan 2015 uses “A Site Between” as the topic of this exhibition. On one hand, it brings out the display differences between formal art museums that have a sense of distance and informal art spaces. On the other hand, it also tries to transform the field concept that are attached to local identities. From “A Site Between” to look for differences, cleftinesses, boundaries, transformations and abandoned memories to develop a dialogue of differences under various frameworks reflecting on society, culture, language, community, personal experience and consciousness.
Footnotes:
1. All “site” in this article are from LU Pei-Yi, “Off-Site Art,” Journal of Taipei Fine Arts Museum, No. 22, P 13.
2. As above, P 15.
3. “Middle landscape;” “Escapism,” by Yi-Fu Tuan, translated by Shangyi Zhou, and Chuen Mei Chang; Taipei, New Century Publishing, 2006, P 31.
策展簡述:
2015臺南新藝獎─場所之間
Next Art Tainan 2015─A Site Between
「臺南新藝獎」是一個由官方獎項延伸而出,以城市空間為場域的藝術展覽。繼策展人賴依欣於2014年以「蔓藝‧共生」為題,透過新藝獎以城市空間為展示舞台的 特質,以藝術為主角也同時為中介,展現台南的城市精神與氣質。城市空間作為藝術作品的舞台,也已成為新藝獎一項不同於其它官方展覽的主要特色。
延續新藝獎此一特質,以城市中的空間為舞台,其中部分的空間亦是屬於與日常生活較為貼近的非正式展示場所與空間,諸如:歷史古蹟空間、商店、咖啡館等,這些 空間的其中一項特性同時為:「需要透過日常生活以及人群的流動才得以建構出的場域」。因此,本屆「臺南新藝獎」,擷取日常、空間與人群作為關鍵字,從三者 的交疊作為展覽思考的切入路徑,提出「場所之間」一詞,作為此次展覽題稱,以及發想論述與展覽概念的詞彙。
所謂「場所 /Site」一詞,指涉與包含的意思有,「具體的地理位置、空間的概念,以及涉入特定人類活動的地方。若進一步從英語中的日常用語來解釋,與其相關的詞彙 則有「建築工地」(construction site)、「被廢棄的場域」(abandoned site)、「露營地」(campsite)到「考古遺址」(archaeological site)等(1)」。
在本展覽 中,除了借用「場所/Site」一詞其原本字義上的「某種固定的、根著的、物理意義上的地點」的定義,另外援引藝評家James Meyer所提出的「功能的場域」(functional site)一詞的概念,將「場所/Site」的固定概念,延展出為帶有「移動的、游牧的」概念。James Meyer以「是一個過程,發生於場域與場域之間,是一個機構的與文本來由的標示,在身體之間的移動,它是一個暫時的東西,一個運動,一個意義之鍊,層疊 的歷史」擴延出對場所一詞的界定。(2)
所謂透過人群活動所流動的場所,其實充斥於我們的日常。小範圍的場所,或許是人聲鼎沸的市 集、市場或購物商場,但放大到一種人身體移動的活動場域,或許就是從城市前往郊區,或從郊區往城市移動的過程,移動過程我們或許會經過某個城市中的荒地、 公園、或郊區周邊的農地等。於是從固定的場所,我們也注意到了因為進行某些人類活動,於場所之間移動過程的、原本被視為短暫的、卻僅只是被忽略、遺落、不 在意的「中間景觀」(middle landscape)。(3)
「中間景觀」即為連接著象徵不同結點的「場所/Site」。這些結點無法固定單獨存在,必須透過人的前往、進出才得以產生連結。在場所間來回重複往返的移動性,在時間與空間背景的物換星移下,交錯並連結出萬物情感與關係的隱匿層疊軌跡。
「2015臺南新藝獎」以「場所之間」作為切入主題,一方面釋出與正式或正規美術館空間帶有距離的非正式藝術場域的展示概念;另一方面,試圖轉換與地方 認同相依附的場域概念,從場所與場所之間,尋找差異、裂隙、邊界、變動與遺落的記事,開展出一種差異中的對話,以及不同框架下,社會、文化、語言、族群、 個人經驗與意識的種種樣貌。
附註:
1. 本段落關於「場所」一詞概念,參照呂佩怡,〈「OFF-Site」藝術初探〉,《現代美術學報》22期,2011年,頁13。
2. 同上註,頁15。
3. 「中間景觀」的概念取自:段義孚著;周尚意、張春梅譯,《逃避主義》,台北:立緒,2006,頁31。
Next Art Tainan 2015─A Site Between
“Next Art Tainan” comes from the official award. It is an art exhibition that transform city spaces into platforms to show art works. After curator Lai Yi-shin used “Next Art Tainan 2014: Articipation & Nextension” as a topic that based on city spaces as a stage to exhibit art. Art is the main subject and also a medium to show the spirit and elegance of Tainan. An important character of Next Art Tainan that differs from other official awards is that city spaces are the stages for art.
Extending this character of Next Art Tainan, spaces in the city are the stages as some unofficial exhibition spaces are more related to our lives, such as historical sites, stores, coffee shops, etc. One common feature of these spaces is that “they are a field that needs to be constructed through daily lives and people’s mobility.” Therefore, Next Art Tainan 2015 takes "daily", "space", and "people" as its key words. The interaction of these three features is the way to think about this exhibition. “A Site Between” is the key phrase guiding the development of works surrounding the concepts of this exhibition.
Site, implies the meaning of “specific geographical location and space,” and places where human activity occurs. Other related common use of the word "site" in English are: “construction site,” “abandoned site,” “campsite,” and “archaeological site.”
In this exhibition, the word “site” means “some fixed, and physical geographical locations.” Art Critics James Meyer raised the concept of “functional site” that stretched the original meaning of site into a “moving and nomadic” concept. “It is a process, an operation occurring between sites, a mapping of institutional and textual filiations and the bodies that move between them. It is a temporary thing, a movement, a chain of meanings and imbricated histories.” quote from Meyer. What he said has extended the meaning of site.
The mobile sites that make people move around actually exist in our daily lives. From some small sites such as markets, or malls, to large sites that allow people to move longer distances. For example, city to suburb or suburb to city. In the movement, we may pass some empty city grounds, parks, or suburban areas. We notice that human activities occur in fixed locations, and those sites that we by pass became “middle landscape” that are temporary, unmindful sites that are ignored by us.
“Middle landscape” is the connection that symbolizes different “sites” of different points. These points cannot exist alone. They need to contain people’s movements going through, entering and exiting, thus generating the connection. The movement of repeatedly moving back and forth between sites interlocked with whole universe’s emotions and relations with hidden tiered tracks under the change of time, space and background.
Next Art Tainan 2015 uses “A Site Between” as the topic of this exhibition. On one hand, it brings out the display differences between formal art museums that have a sense of distance and informal art spaces. On the other hand, it also tries to transform the field concept that are attached to local identities. From “A Site Between” to look for differences, cleftinesses, boundaries, transformations and abandoned memories to develop a dialogue of differences under various frameworks reflecting on society, culture, language, community, personal experience and consciousness.
Footnotes:
1. All “site” in this article are from LU Pei-Yi, “Off-Site Art,” Journal of Taipei Fine Arts Museum, No. 22, P 13.
2. As above, P 15.
3. “Middle landscape;” “Escapism,” by Yi-Fu Tuan, translated by Shangyi Zhou, and Chuen Mei Chang; Taipei, New Century Publishing, 2006, P 31.
2014 台北藝術自由日,華山1914文化創意產業園區,台北,台灣
Taipei Free Art Fair, Huashan 1914 Creative Park, Taipei, Taiwan
「藝術自由日」秉持著讓當代藝術的各種可能性走近大眾的理想,針對全世界與各種類型的藝術創作者,實施徵件,並于2014年11月15、16日兩天,於華山文化創意產業園區免費開放展出。首屆徵件即有來自全世界16個國家,逾400件作品投件,除平面藝術作品外,裝置、表演、行為、錄像藝術也不在少數,也因為展出的類型多元,採「無牆」的陳設方式,甚至有許多藝術家將化為清潔工、店員、醫生貼身與觀眾貼身互動,更有許多創作者將于現場即興創作或是將空間轉化為教室、醫院、廚房或者於現場叫賣便當。並于展出期間舉行針對當代藝術的電影、講座、論壇與可讓民眾實際參與的拍賣會,開展各種對於藝術的自由想像。
2014 活體資料庫 / 也趣藝廊 / 台北 / 台灣
A Database Living Bodies: The Production of Image Variation With Color Ink, Aki Gallery, Taipei, Taiwan
策展人/華建強
活體資料庫的創作模態,是作者感應時代,以及面對大環境的變遷,所做出來的選擇。資料的蒐集、檢索與擇取等動作的背後,其代表的意義正是將那些原本存留在活體身上的物件,轉化成為均質條件的意涵。均質的思想使得這些材料沒有它自身原來的個性。以致於去除了個別意識的向度之後,所代表的內容,正是對世事萬物的一致性看法。這個看法包容了階級、層次制度以及消弭過往從上對下的不平等狀況。這便是說,當製造出作品時的背後意識,是考慮到平等、無關乎高低的出發點,來做為創作的思考。所以物件的本身在這樣的思想邏輯內,都將能同處在一個水平的基礎上來平行滑動,並且隨意嫁接。
相對於過往歷史中的傳承意義上來看。物件或資料背後所乘載的訊息,賦予了它本身被認知的途徑。這個途徑就像是個看不見的模子般,包裹在最外層的膚質之上。它因此掩蓋了物件質量的本身,使得它長期被知識與文明的灌輸下,而終致蒙蔽與被忽略。然而,創作者的具體作為就在於,他們揭示了這層虛偽包裝的外衣,試圖直搗作品內在的本質。此本質就是恢復物件或資料原本價值的均質性。令眾多的材料都能夠以最單純的方式,直接呈現出來。換句話說,材料在資料庫的邏輯概念之中,呈顯的是一種絕對的平等、絕對價值的均衡。它不再被區分出高低或順序,也去除了歷史文化所賦予的個別意義。
資料庫的運用方法,在這些利用墨彩作為媒介的作品上,即是採納了世界環境中,許多具備呼吸,以及存活著的生命體。這些體態的局部被分別地擷取出來,成為了均質材料的一員。而最後所拼貼出來的作品成果,它所顯現出來的特殊與詫異感,正可凸顯了平凡事物的奇異化過程。因此,這個特殊的資料庫創作模態,就從奇異化與驚奇感的當下,鋪陳出物件存在所蘊含的平等質量。並且在如此的創造前提之下,試圖去衝撞現下體制的偏斜,以便造就出世間均衡的無限種可能。
活體資料庫的創作模態,是作者感應時代,以及面對大環境的變遷,所做出來的選擇。資料的蒐集、檢索與擇取等動作的背後,其代表的意義正是將那些原本存留在活體身上的物件,轉化成為均質條件的意涵。均質的思想使得這些材料沒有它自身原來的個性。以致於去除了個別意識的向度之後,所代表的內容,正是對世事萬物的一致性看法。這個看法包容了階級、層次制度以及消弭過往從上對下的不平等狀況。這便是說,當製造出作品時的背後意識,是考慮到平等、無關乎高低的出發點,來做為創作的思考。所以物件的本身在這樣的思想邏輯內,都將能同處在一個水平的基礎上來平行滑動,並且隨意嫁接。
相對於過往歷史中的傳承意義上來看。物件或資料背後所乘載的訊息,賦予了它本身被認知的途徑。這個途徑就像是個看不見的模子般,包裹在最外層的膚質之上。它因此掩蓋了物件質量的本身,使得它長期被知識與文明的灌輸下,而終致蒙蔽與被忽略。然而,創作者的具體作為就在於,他們揭示了這層虛偽包裝的外衣,試圖直搗作品內在的本質。此本質就是恢復物件或資料原本價值的均質性。令眾多的材料都能夠以最單純的方式,直接呈現出來。換句話說,材料在資料庫的邏輯概念之中,呈顯的是一種絕對的平等、絕對價值的均衡。它不再被區分出高低或順序,也去除了歷史文化所賦予的個別意義。
資料庫的運用方法,在這些利用墨彩作為媒介的作品上,即是採納了世界環境中,許多具備呼吸,以及存活著的生命體。這些體態的局部被分別地擷取出來,成為了均質材料的一員。而最後所拼貼出來的作品成果,它所顯現出來的特殊與詫異感,正可凸顯了平凡事物的奇異化過程。因此,這個特殊的資料庫創作模態,就從奇異化與驚奇感的當下,鋪陳出物件存在所蘊含的平等質量。並且在如此的創造前提之下,試圖去衝撞現下體制的偏斜,以便造就出世間均衡的無限種可能。
2014 異變再生,大象藝廊,台中,台灣
Metamorphosis and Regeneration,Da xiang art space, Taichung, Taiwan
策展人:吳超然、潘信華
參展藝術家:林衍馨、林莉酈、陳睿淵、黃至正、葉采薇、曾建穎、蕭珮宜、韓妤、蘇煌盛
展覽日期:2014.03.01 ~ 2014.04.06
用青春去實現水墨文化用青春去面對即將逝去的青春,在未知世界中用水墨文化實現自身感受,即便沒有正確答案,依然接受著時間的檢驗。
由吳超然與潘信華共同策劃的「變異與再生」展出年齡層落於1980年至1990年初的九位藝術家:林衍馨、林莉酈、陳睿淵、黃至正、葉采薇、曾建穎、蕭珮宜、韓妤、蘇煌盛。他們並不選擇單一傳統素材與概念去創作所謂的水墨,而是在更多可能對立衝突的矛盾之中,透過生命情感去忠實表達它應有的樣貌,經過模擬、掙扎、放棄、滲透、融和與再現,讓一向寂寞又孤高的水墨,在現實與想像的世界中交織出不凡力量。
台灣水墨種類型態涵蓋傳統山水畫、東洋畫、文人畫、抽象水墨、現代水墨等等,它之所以深刻在於物象與心象之間的曖昧情懷,一直以來,水墨身處全球化文化背景下,雖然在發展過程中無法迴避西洋藝術的浪潮與影響,且有時邊緣化的對待,然而不可否認它的確有過時代的意義與重要性,也持續地在這個世代擁有被期待和重視的機會。
延續過往水墨歷程給予的洗禮,這次展出的年輕藝術家們冀望用不一樣的表現手法與能量,跳脫傳統框架限制,除筆墨造成的線條元素外,加入膠彩和其他媒材的運用,帶給觀者新的閱讀型態,用水墨內涵與世界接軌。
水墨沒變,改變的是回去的方式,用過去完成現在的樣子。
參展藝術家:林衍馨、林莉酈、陳睿淵、黃至正、葉采薇、曾建穎、蕭珮宜、韓妤、蘇煌盛
展覽日期:2014.03.01 ~ 2014.04.06
用青春去實現水墨文化用青春去面對即將逝去的青春,在未知世界中用水墨文化實現自身感受,即便沒有正確答案,依然接受著時間的檢驗。
由吳超然與潘信華共同策劃的「變異與再生」展出年齡層落於1980年至1990年初的九位藝術家:林衍馨、林莉酈、陳睿淵、黃至正、葉采薇、曾建穎、蕭珮宜、韓妤、蘇煌盛。他們並不選擇單一傳統素材與概念去創作所謂的水墨,而是在更多可能對立衝突的矛盾之中,透過生命情感去忠實表達它應有的樣貌,經過模擬、掙扎、放棄、滲透、融和與再現,讓一向寂寞又孤高的水墨,在現實與想像的世界中交織出不凡力量。
台灣水墨種類型態涵蓋傳統山水畫、東洋畫、文人畫、抽象水墨、現代水墨等等,它之所以深刻在於物象與心象之間的曖昧情懷,一直以來,水墨身處全球化文化背景下,雖然在發展過程中無法迴避西洋藝術的浪潮與影響,且有時邊緣化的對待,然而不可否認它的確有過時代的意義與重要性,也持續地在這個世代擁有被期待和重視的機會。
延續過往水墨歷程給予的洗禮,這次展出的年輕藝術家們冀望用不一樣的表現手法與能量,跳脫傳統框架限制,除筆墨造成的線條元素外,加入膠彩和其他媒材的運用,帶給觀者新的閱讀型態,用水墨內涵與世界接軌。
水墨沒變,改變的是回去的方式,用過去完成現在的樣子。